»Impulse«, die zweite Nummer auf Deinem aktuellen Album »Caramel« klingt, als hätte sie Ennio Morricone für die dramatische Schluss-Sequenz eines Filmes ersonnen. (lacht)

Das schmeichelt mir. In den letzten Jahren hat sich herauskristallisiert, dass alle Musik, die ich schreibe, unbewusst stark in Richtung imaginäre Filmmusik geht. Ich gehe viel ins Kino und höre gerne Filmmusik. Und mein Ansatz beim Musikmachen ist immer: Ich will die Menschen gut unterhal- ten und emotional berühren. Die Musik muss deshalb leicht verständlich, aber qualitativ hochwertig sein. Wenn man Gefühle in Menschen auslösen will, geht das am besten, indem man ihnen einfache Geschichten erzählt. Nun bin ich aber kein Sänger, sondern spiele Klarinette und Saxophon – ein Handicap, das ich über Klangwelten, Atmosphären und über Besetzungen, die einzigartig sind und aus dem Rahmen fallen, auszugleichen versuche. Jedes Stück soll im Kopf des Hörers Traumlandschaften entstehen lassen.

Du bist jemand, der sein musikalisches Vokabular stän- dig erweitert hat. Die Kombination mit der Koloratur- Sopranistin Özlem Bulut und der Slam-Poetin Yasmo ist aber selbst für Dich ungewöhnlich. Wie kam es dazu?

Ich bin vor einigen Jahren in das Genre Neoklassizismus reingekippt, deren wichtigste Vertreter Max Richter, Olafur Arnalds und der schon verstorbene Johan Johannson sind. Das Tolle an denen ist, dass sie sich aus allen Genres be- dienen und daraus ihr Ding machen. An Max Richters Stück »Sleep«, das den Schlafzyklus eines Menschen in einem achtstündigen Stück vertont, hat mich beeindruckt, wie man mit so wenig – er spielt Klavier und Orgel, dazu ein paar Strei- cher, Elektronik und eine Sopranistin – ein so wunderbares Klangbild erschaffen kann. Dann lief mir Özlem Bulut über den Weg. Sie ist klassisch ausgebildet, macht aber auch sehr viel Musik aus ihrem kurdisch-türkischen Kulturbereich. Das ergibt eine völlig eigenständige Klangfarbe. Yasmin Hafedh, genannt Yasmo, hab ich noch dazugenommen, weil ich einen Teil von der Grundidee in Worte gefasst haben wollte. Ich habe ihr erzählt, wofür die einzelnen Stücke stehen. Dann hat sie geschrieben. Dabei hatte sie komplette Freiheit.

Hört man das Album, bekommt man das Gefühl, da spielt einer, der schon viel erlebt hat und uns an dieser Intensität auch teilhaben lassen will.

Je älter ich werde, desto bewusster werde ich darin, was ich spielen, wie ich es spielen und was ich damit aussagen will. Ich ertappe mich immer öfter dabei, dass ich mich auf der Bühne frage: Muss ich jetzt überhaupt noch was spielen? Braucht es das überhaupt? Das Bewusstsein dafür, wie viel der Moment braucht, damit die Balance zwischen Künstler, Raum und Publikum aufrecht bleibt, ist größer geworden. Speziell im Jazz, aber auch in der Klassik werden die Leute mit viel zu viel Information konfrontiert und überfordert. Zu oft geht es nur noch darum, das Instrument ans Limit zu bringen. Nach dem Konzert hat man dann das Gefühl, dass es viel war und fragt sich: Hat mich das jetzt unterhalten oder gestresst? Wenn ich heute Energie in etwas investiere, will ich auch den optimalen Benefit für mich. Ich geh ́ nicht mehr auf jede Party. Ich suche mir die guten heraus.